11 maggio 1928: nasce Marco Ferreri

Marco Ferreri, regista, sceneggiatore, attore, produttore cinematografico e scenografo italiano, nasce a Milano, l'11 maggio 1928, da genitori originari di Pavia. Dopo aver condotto studi regolari a Milano
s'iscrive alla facoltà di Veterinaria senza raggiungere la laurea. Nel 1951 fonda insieme a Riccardo Ghione la rivista "Documento mensile" che fallisce dopo appena due mesi. Dopo aver fatto la comparsa nei film di Alberto Lattuada Il cappotto (1952) e La spiaggia (1953), Ferreri fa il pubblicitario. Nel 1958 a
Barcellona incontra Rafael Azcona e i due dirigono il film El pisito (1958) a cui seguono Los chicos (1959) e El cochecito (1960). Tornato in Italia Ferreri dirige due degli undici episodi di Le italiane e l'amore (1961) scritti da Azcona che divenne il suo sceneggiatore.
Nel 1963 dirige Una storia moderna: l'ape regina interpretato da Ugo Tognazzi. Il film ha diverse censure e solo nel 1984 si avrà la versione integrale. Segue il film La donna scimmia (1964) grottesca storia di un uomo che sposa una donna-scimmia e la sfrutta come attrattiva circense; è del 1965 Marcia nuziale. Nel 1967 realizza L'harem, l'anno seguente dirige Dillinger è morto.
Nel 1969 Recita in Porcile di Pier Paolo Pasolini, nello stesso anno firma la regia del grottesco Il seme dell'uomo, in cui assistiamo a scene di sesso e di antropofagia. Continua con L'udienza (1971), in cui un
uomo cerca in tutti i modi di essere ricevuto dal Papa a cui deve dire qualcosa che nel film non viene svelato.
Nel 1972 dirige La cagna tratto dal racconto Melampo di Ennio Flaiano.
Il più noto tra i film di Ferreri è senz'altro La grande abbuffata (1973), dove alcuni amici (interpretati da Tognazzi, Noiret, Mastroianni, Piccoli) si incontrano in una villa, e lì consumano cibo, bevande, sesso, amicizia, fino a stare male, fino a uccidersi. Nel film Non toccare la donna bianca (1974), Ferreri traspone la battaglia del Little Bighorn e la sconfitta del Generale Custer da parte di Toro Seduto, nella Parigi moderna. Con L'ultima donna (1976) troviamo il concetto di homo eroticus e di donna-oggetto che viene scelta secondo canoni sessuali pure se alla fine si vendica spingendo l'uomo ad evirarsi.
Nel 1978 esce Ciao maschio in cui il protagonista sceglie di allevare una scimmia anziché sua figlia, l'anno seguente la commedia Chiedo asilo (1979) con Roberto Benigni e nel 1981 Storie di ordinaria follia ispirato ad una raccolta di racconti di Charles Bukowski.
Gli ultimi film saranno La casa del sorriso (del 1990, vincitore dell'Orso d'Oro al Festival del Cinema di
Berlino), La carne (1991), Diario di un vizio (1993) e Nitrato d'argento (1996). Muore d'infarto il 9 maggio 1997 a 69 anni.

10 MAGGIO: AUGURI A BONO

Auguri a Bono, nome d'arte di Paul David Hewson,  cantante e attivista irlandese, leader degli U2, nato a Dublino, il 10 maggio 1960, da Brendan Robert Bob Hewson, cattolico e Iris Rankin.
Nel settembre del 1974, festeggia il cinquantesimo anniversario di matrimonio dei suoi nonni materni e, durante i festeggiamenti, il nonno muore. Al funerale del nonno, il 6 settembre, la madre di Bono viene colpita da un aneurisma cerebrale e muore 4 giorni dopo, il 10 settembre. Entra a far parte di un gruppo di ragazzi ribelli del suo quartiere, i Lipton Village, il cui scopo è di evadere qualsiasi forma di legge: un atteggiamento che comunque non ha mai portato a gravi conseguenze. Nei Lipton Village, era tradizione dare un soprannome a tutti i componenti: a Paul venne affibbiato il nome Bono Vox dall'amico Guggi (che sarà la
seconda voce della band Virgin Prunes). Questo nomignolo trovò spunto da un negozio di apparecchi acustici di Dublino, il Bonavox. Successivamente, con il debutto discografico della band alla fine degli
anni 70, il nome d'arte "Bono Vox" fu ridotto a "Bono".
Bono frequenta il primo anno alla St. Patrick, dalla quale viene espulso perché sorpreso a tirare escrementi di cane alla sua professoressa di spagnolo. Viene quindi mandato alla Mount Temple School. Impara a suonare la chitarra grazie al fratello Norman. Alla Mount Temple conosce Alison Stewart, con cui si fidanza nel 1975.
Nel 1976, rispose al volantino di Larry Mullen lasciato su una bacheca della scuola, che cercava persone per formare una band. L'amico Reggie Manuel lo convinse ad andare a casa di Mullen per le prove. Si presentò come chitarrista, ma c'erano anche altri due chitarristi nel gruppo, Dave Evans (The Edge) e suo fratello Dick, e vista la notevole differenza tecnica tra Bono e gli altri due, Bono finì con l'essere il cantante. Con loro si aggiunse il bassista Adam Clayton.
Il gruppo cambia nome diverse volte fino ad approdare definitivamente a quello di U2. Due anni più tardi il gruppo vince un Festival per nuove band a Limerick. Nella giuria del festival figura un dirigente della CBS, che offre agli U2 un contratto per realizzare alcuni singoli, usciti nei due anni successivi. Il primo album, Boy, uscirà nel 1980, ricevendo ottimi riscontri di critici e pubblico. A ottobre del 1981 esce il secondo album degli U2, intitolato October, l’album raggiunge l’11° posto delle charts inglesi e, anche se negli States non riesce ad entrare nella Top 100, riceve ottime recensioni.
Il 1983 è l’anno decisivo per la carriera musicale e la discografia degli U2. A gennaio esce New year’s day, il primo singolo estratto dal nuovo album War. A novembre esce Under a blood-red sky, album dal vivo prodotto da Jimmy Iovine e pubblicato simultaneamente ad un video, che arriva al numero 2 delle charts inglesi e al 28 di quelle statunitensi.
L’anno successivo esce – in collaborazione con Brian Eno - The unforgettable fire, dal titolo di una mostra dedicata agli orrori nucleari di Hiroshima e Nagasaki che il gruppo aveva visitato al Peace Museum di Chicago. Il brano Pride, pubblicato a settembre, arriva al numero 3 delle charts inglesi e al 33° posto di quelle statunitensi, mentre l’album, uscito quasi contemporaneamente al singolo, arriva dritto al numero uno della classifica inglese e al dodicesimo posto di quelle USA.
Quattro anni più tardi è la volta di The Joshua tree, che arriva in breve al numero uno delle classifiche inglesi e americane. Il 27 marzo il gruppo blocca il traffico nel centro di Los Angeles per le riprese del video di Where the streets have no name, che mostra gli U2 impegnati a suonare sul tetto di un palazzo. Nel frattempo il singolo With or without you diventa il primo numero uno statunitense del gruppo. A maggio il gruppo sceglie ancora gli Stati Uniti per le riprese del nuovo video: I still haven’t found what I’m looking for viene infatti girato per le strade di Las Vegas.
Achtung baby esce alla fine del 1991, mentre il 1992 è l’anno dello Zoo TV tour.
Nel 1997 esce Pop, ma la band tornerà al roch delle origini con All that you can't leave behind.
Nel 2013 cominciano a susseguirsi le voci per un nuovo album, previsto per il 2014 - la band nel frattempo pubblica una nuova canzone come colonna sonora del documentario su Mandela.

10 MAGGIO 1957: NASCE SID VICIOUS

Sid Vicious (il cui vero nome era John Simon Ritchie), è stato un bassista e cantante britannico, membro della band punk rock dei Sex Pistols, nato a Londra, il 10 maggio 1957, da John Ritchie, guardia a Buckingham Palace e suonatore semiprofessionista di trombone nella scena jazz di Londra, e da Anne McDonald. Poco dopo la nascita di John Simon, il padre lascia la famiglia, e madre e figlio si
trasferiscono a Ibiza. Nel 1965, Anne sposerà Christopher Beverley, del quale John Simon adotterà il cognome.
Vicious ebbe un'infanzia difficile: la madre Anne era tossicodipendente, ed egli iniziò ben presto a girare per Londra e ad ammirare idoli glam rock come David Bowie e Roxy Music. Nel 1975 conobbe John Lydon, futuro cantante dei Sex Pistols, che gli diede il nome d'arte di Sid Vicious a causa del criceto che Vicious possedeva e che Lydon considerava malvagio.
In quel periodo iniziò a frequentare la nascente scena punk di Londra, rendendosi protagonista di alcuni incidenti durante i concerti. Fino al 1977 la sua carriera musicale si limitò ad una serata come batterista dei Siouxsie and The Banshees, ma in quello stesso anno, in corrispondenza con l'uscita di Glen Matlock dai Sex Pistols, Vicious venne fatto entrare nella band dall'amico John Lydon. Vicious all'epoca non sapeva suonare il basso, ma Lydon confidava che avrebbe imparato in fretta e contava sul suo aspetto, che ben si adattava ai mass media.
Agli inizi del 1977, in occasione di un concerto degli Heartbreakers, giunse a Londra una groupie della band, Nancy Spungen. Nonostante i tentativi da parte di Lydon di tenere Vicious lontano da Nancy, nota eroinomane, i due si piacquero subito e il bassista iniziò a fare uso di eroina. Nel periodo successivo Vicious cominciò ad imparare a suonare il basso, ma alle sessioni di registrazione di Never Mind the Bollocks si presentò quasi sempre troppo ubriaco per suonare; infatti registrò solo i primi due brani dell'album, Holidays in the Sun e Bodies, mentre per le altre canzoni venne sostituito da Matlock, rientrato nel gruppo come session man. Nei mesi successivi gli amici provarono a separarlo da Nancy e dall'uso di eroina, ma senza risultato. Nel 1978 i Pistols fecero il loro primo tour negli USA, durante il quale Vicious mostrò comportamenti masochisti sul palco e insultò più volte la folla.
Due giorni dopo l'ultimo concerto dei Pistols, Vicious ebbe la sua prima overdose di eroina e tre giorni più tardi, durante un volo aereo verso New York, cadde in un coma causato dall'eroina. In Inghilterra Vicious ruppe definitivamente con Lydon, che aveva nuovamente tentato di separarlo da Nancy, e poi si trasferì per breve tempo a Parigi, dove partecipò alle riprese del film sui Sex Pistols The Great Rock 'n' Roll Swindle, per il quale registrò una cover di My Way e di alcune canzoni di Eddie Cochran. Nell'agosto 1978 Vicious si trasferì a New York con Nancy e si esibì in un concerto d'addio con una backing band chiamata The Vicious White Kids, composta da Steve New, Glen Matlock e Rat Scabies. In seguito formò gli Idols, gruppo dalla breve vita con Barry Jones, Steve Dior, Arthur Kane e Jerry Nolan.
L'unico album pubblicato dalla band, Sid Sings, composto esclusivamente da cover e dalle tracce di The Great Rock'n' Roll Swindle, uscì nel 1979. Il 12 ottobre 1978 Vicious trovò Nancy Spungen morta accoltellata; pur trovandosi in stato confusionale a causa dell'abuso di eroina e non ricordando nulla, Vicious non ammise di aver commesso il reato, ma venne arrestato poiché unico indagato. Uscito su cauzione pagata dalla EMI, Vicious commise vari atti sconsiderati: prima tentò di suicidarsi con un rasoio, in seguito fu nuovamente arrestato per aver rotto un bicchiere in faccia a Todd Smith, fratello di Patti Smith.
Dopo il suo rilascio il 1º febbraio 1979, Vicious assunse nuovamente dell'eroina datagli dalla madre; dopo essersi iniettato in vena dell'altra eroina durante la notte, ebbe un'overdose e fu rianimato dalla sua nuova fidanzata Michelle Robinson, poi i due si addormentarono. Sid Vicious venne trovato morto di overdose il mattino seguente. Vicious lasciò un biglietto scrivendo di voler esser sepolto di fianco alla sua fidanzata Nancy Spungen con addosso i suoi jeans, la sua giacca di pelle e i suoi anfibi: nonostante fossero queste le ultime volontà di Sid, qualcosa si frappose tra quanto previsto e ciò che realmente avvenne. Nancy era d'origine ebraica e venne seppellita nel cimitero ebraico, ma la madre di Nancy non consentì che Sid venisse seppellito vicino a sua figlia perché in passato non aveva mai approvato la loro relazione. Perciò la madre di Vicious decise di far cremare il figlio: le sue ceneri vennero sparse sulla tomba della Spungen.

 

9 MAGGIO: AUGURI A JUAN ANTONIO BAYONA

Auguri a Juan Antonio Bayona, regista spagnolo, nato a Barcellona, il 9 maggio 1975.
Cresciuto con la passione per il cinema, diviene un giornalista del settore per poi studiare regia presso la Scuola di Cinema e Audiovisivi della Catalogna. Nel 1993, al Sitges - Festival internazionale del cinema della Catalogna, conosce il regista Guillermo Del Toro. che gli promette di aiutarlo, finanziando il suo debutto cinematografico nel caso non fosse stato in grado di farlo lui stesso.
Dopo essersi laureato, Bayona inizia a lavorare nel campo dei videoclip e degli spot pubblicitari, successivamente realizza una serie di cortometraggi; Mis vacaciones (1999) e El Hombre Esponja (2002).
Nel 2004 gli viene offerto lo script di The Orphanage, dopo aver accettato di dirigerlo chiede aiuto a Guillermo Del Toro, che accetta di co-produrre la pellicola. The Orphanage viene presentato al Festival di
Cannes 2007, dove ottiene dieci minuti di applausi. Il film, oltre ad essere stato apprezzato dalla critica, è stato un successo commerciale in Spagna e in Europa, superando, a livello di incassi, Il labirinto del fauno di Del Toro. Per il suo lavoro, Bayona si è guadagnato il Premio Goya per il miglior regista esordiente.
Nel 2012 è uscito nelle sale cinematografiche il suo secondo lungometraggio, The Impossible, girato interamente in inglese, sulla tragedia dello tsunami dell'Oceano Indiano del 2004.

 

ANGELA CARTER, 1940-1992: UN'OTTIMA MAGA, UNA CARISSIMA AMICA. DI SALMAN RUSHDIE (trad. Sabrina Abeni)

In occasione della morte di Angela Carter, avvenuta il 16 febbraio 1992, fu l'amico Salman Rushdie a occuparsi di commemorarla con parole toccanti che descrivono in modo efficace la donna e la scrittrice, l'importanza della sua figura nella letteratura postmoderna e ciò che la rendeva atipica nel panorama culturale del tempo.

Ho conosciuto Angela Carter a una cena in onore dello scrittore cileno Jose Donoso a casa di Liz Calder, che aveva pubblicato tutti i nostri libri. Il mio primo romanzo stava per essere pubblicato, era il periodo del più oscuro romanzo di Angela, La Passione della Nuova Eva ed io ero un suo grande fan. Il signor Donoso giunse con un aspetto simile a un ispanico Buffalo Bill, completo di pizzo d'argento, giacca a frange e stivali da cowboy, continuando a sponsorizzare terribilmente Angela. La sua apparente ignoranza del lavoro di Angela provocò in me una lunga protesta durante la quale l'ho informato che la donna con cui stava parlando era la più brillante scrittrice inglese. Ad Angela piacque questo, verso la fine della serata ci piacevamo a vicenda. Ciò accadde quasi 18 anni fa. Lei fu la prima grande scrittrice che avevo conosciuto ed era una dei migliori, la più leale, la più sincera, l'amica più ispiratrice che si possa mai avere. Non posso sopportare la sua morte.

Quando abbiamo saputo del cancro, la chiamai e ne abbiamo parlato. Le dissi, "Angela, c'è solo una cosa da fare. Lo devi solo battere, questo è tutto." "Sì", lei disse con un tono lento e profondo, "ma per quanto riguarda la mia forte vena di fatalismo orientale? " Ho detto: "No, senti io sono l'orientale in questa famiglia. Potresti lasciare il fatalismo a me, e pensare solo a vincere maledettamente? " "Oh", lei disse, come se qualcuno l'avesse sorpresa con un buon consiglio, "ok".

E poi ella combatté come un diavolo, combatté la morte con tutte le sue forze e tutto il suo coraggio, ma anche con il suo spirito, il suo umorismo, il suo senso del ridicolo, la sua rabbia. La morte ringhiò e lei le mostrò il dito medio. La morte la dilaniò e lei le mostrò la lingua. E alla fine lei ha perso. Ma ha anche vinto, perché nella suo furiosa risata, nella satira sfolgorante della sua morte, il suo sgonfiamento di ciò che Henry James ha così pomposamente chiamato "la cosa raffinata", ha ridimensionato la morte: non più qualcosa di raffinato, ma un  pagliaccio assassino un po' sudicio. Dopo averci mostrato come scrivere, dopo averci aiutato a capire come vivere, lei ci ha mostrato come morire.

Ripeto: Angela Carter era una grande scrittrice, Ripeto questo perché, nonostante la sua fama mondiale, in Gran Bretagna non ha mai ricevuto ciò che le spettava. Certamente molti scrittori sanno che era qualcosa di raro, un avvenimento unico, non esisteva altro come lei nel pianeta, lo stesso vale per molti lettori stregati e ispirati. Ma per qualche ragione ella non occupava il posto che le competeva- al centro della letteratura del suo tempo, nel suo cuore. Com'è triste che simili scrittori debbano morire prima che concediamo il loro posto nel pantheon. Certamente Angela Carter era consapevole di chi fosse. Ma potevamo dirglielo a voce più alta e più frequentemente di quanto abbiamo fatto e di questo ne siamo altrettanto consapevoli.

Troppi tra i più grandi scrittori del mondo sono morti troppo presto. Italo Calvino, Bruce Chatwin, Raymond Carver e ora Angela sotto stati zittiti mentre le loro voci erano nel bel mezzo delle loro canzoni.

L'ultimo romanzo di Angela, Figlie sagge, era anche il suo migliore. In esso noi sentiamo l'intera gamma della sua grandezza, la voce della vita vera. Il romanzo è scritto con il suo marchio unico dell'allegria mortale.

Si ridacchia allegramente quando impala il secolo attraverso i suoi scherzi. Come tutte le sue opere, è la celebrazione della sensualità, della vita. Più in particolare, celebra la parte sbagliata del percorso e anche la parte sbagliata della globalità. È una pernacchia che risuona dal sud di Londra, attraverso il Tamigi, un inno alla bastardaggine (e il romanzo è un genere bastardo, non dimenticatelo, perciò i romanzieri devono sempre difendere i bastardi).

Angela Carter era colei che faceva sberleffi, una profanatrice di vacche sacre. Non ama altra così tanto come l'ostinato e allegro anticonformismo. I suoi libri ci liberano, rovesciando le statue del pomposo, demolendo i templi e i dipartimenti di rettitudine. Essi traggono la loro forza, la loro vitalità , da tutto ciò che è fuorviante, illegittimo, basso. Essi non hanno uguali, né rivali.

Con la morte di Angela Carter la letteratura inglese ha perso la sua somma incantatrice, la sua benevolente regina/strega, un'artista burlesca di antichi genio e grazia. Chi di noi ha perso un'amica a malapena riesce a credere che non ci saranno più conversazioni di due ore al telefono con quella voce che poteva salire ad altezze di passione scatologica o piombare giù, nei suoi momenti più letali, in una sorta di piccolo tubare di ragazza. Privati della fata regina, non possiamo trovare il magico che poteva guarirci. Né vogliamo essere guariti, non ancora.

Ci sediamo a guardare nel buco enorme che la sua morte ha lasciato e, mentre guardiamo nel cratere della nostra perdita, ricordiamo .

È morta il 16 febbraio. Tre settimane prima aveva consegnato ad Angela un lungo saggio che avevo scritto su uno dei suoi film preferiti, Il Mago di Oz, e le aveva chiesto se potessi dedicarglielo. Lei accettò. Non ho mai saputo se sia mai stata in grado di leggerlo, il che è triste . Ma almeno in quella dedica ero in grado di dire un po' di quello che sentivo .

Quando Dorothy chiedi alla regina buona Glinda se il mago di Oz sia buono o cattivo, Glinda risponde che è "un mago molto buono....ma molto misterioso".

Il mago di Oz si rivela essere una frode . Ma Angela Carter fu invece un'ottima maga, forse anche la prima maga in assoluto. Un'ottima maga, una carissima amica.

Biografia di Angela Carter

7 MAGGIO 1940: NASCE ANGELA CARTER

Angela Carter, scrittrice e giornalista britannica, nasce come Angela Olive Stalker a Eastbourne (Sussex), il 7 maggio 1940, ma si trasferì sin da piccola con la nonna materna nello Yorkshire. L'adolescenza la vide combattere con l'anoressia nervosa. Seguendo le orme del padre, cominciò a lavorare come giornalista per il Croydon Advertiser. Frequentò l'Università di Bristol dove studiò Letteratura inglese.
Le opere di Carter sono esempi di letteratura postmoderna attraversa la fitta rete di rimandi intertestuali. Si può notare tale influenza nel romanzo Figlie sagge, in cui si apprezzano i molti riferimenti shakespeariani. L'interesse di Angela Carter si rivolse anche alle opere di autori di sesso maschile, come il marchese de Sade (si veda La donna sadiana) e Charles Baudelaire (si veda il racconto Venere nera), oltre ad altri padri letterari. Fu però maggiormente ispirata alla tradizione matriarcale del racconto orale: riscrisse, infatti,
molte fiabe nella sua raccolta dal titolo La camera di sangue, tra cui Cappuccetto Rosso, Biancaneve, La bella addormentata, Barbablù e due rielaborazioni de La Bella e la Bestia.
Nel 1960 sposò Paul Carter, da cui divorziò dodici anni dopo. Nel 1969 utilizzò il premio del Somerset Maugham Award per lasciare il marito e volare a Tokyo, dove visse per due anni e dove, affermò, "imparai cosa significa essere donna e mi radicalizzai". Scrisse a proposito delle sue esperienze in Giappone in due
articoli per New Society e in una raccolta di racconti, Fuochi d'artificio (1974). Stralci di quell'esperienza si ritrovano anche ne Le infernali macchine del desiderio del dottor Hoffman (1972).
Successivamente Carter esplorò gli Stati Uniti, l'Asia e l'Europa. Passò gran parte del tempo tra la fine degli anni Settanta e gli Ottanta come scrittrice ospite delle università, dove tenne anche dei corsi di scrittura creativa, tra cui si ricordano l'Università di Sheffield, la Brown University, l'Università di Adelaide e l'Università di East Anglia. Nel 1977 sposò in seconde nozze Mark Pearce.
Già dopo la pubblicazione del suo primo romanzo, La danza delle ombre (1966), iniziò ad essere considerata una delle scrittrici britanniche più originali. Ne seguirono altri otto, tra cui La bottega dei giocattoli (1967), premiato con il John Llewellyn Rhys Prize, Several Perceptions (1968), premiato con il Somerset Maugham Award, e Notti al circo (1984), premiato con il James Tait Black Memorial Prize. Un altro riconoscimento, il Cheltenham Festival of Literature Award, le fu conferito con la raccolta di racconti La camera di sangue.
Oltre a essere una prolifica scrittrice di fiction, redasse per The Guardian, The Independent e New Statesman numerosi articoli, raccolti in Shaking a Leg. Si occupò dell'adattamento radiofonico di alcuni dei suoi racconti e scrisse due drammi, sempre per la radio, per Richard Dadd e Ronald Firbank. Due dei suoi lavori, La compagnia di lupi e La bottega dei giocattoli, videro, rispettivamente nel 1984 e nel 1987, la trasposizione cinematografica, alla cui lavorazione ella stessa partecipò attivamente.
Poco prima di morire, Angela Carter aveva iniziato a scrivere un seguito del romanzo Jane Eyre di Charlotte Brontë, basato sulla vita della figlia adottiva di Jane, Adèle Varens, di cui però è sopravvissuta solo una sinossi.
Il 16 febbraio 1992, nella sua casa di Londra, Angela Carter morì di cancro all'età di cinquantuno anni. Di seguito si riporta un estratto del suo necrologio pubblicato su The Observer:

(EN)
« She was the opposite of parochial. Nothing, for her, was
outside the pale: she wanted to know about everything and
everyone, and every place and every word. She relished life
and language hugely, and revelled in the diverse »

(IT)
« Era il contrario del provincialismo. Nulla, per lei, era
indecente: voleva sapere di tutto e di tutti, e di ogni luogo e
di ogni parola. Gustò enormemente la vita e il linguaggio, e
si dilettò nel diverso »

Le parole commemorative di Salman Rushdie.


Citazioni di Angela Carter

Nello schema mistico di tutte le relazioni fra uomo e donna, gli uomini propongono, e le donne sono inclini ad accettare. (La fabbrica dei giocattoli)

Che cos'è il matrimonio se non prostituzione ad un solo uomo anziché a molti? (Notti al circo)

La commedia è una tragedia che capita alle altre persone. (Figlie sagge)

5 MAGGIO: AUGURI A JERZY SKOLIMOWSKI

Auguri a Jerzy Skolimowski, regista, sceneggiatore e attore polacco, nato il 5 maggio 1938 a Lodz, da Maria (nata Postnikoff) e l'architetto Stanisław Skolimowski. Da bambino visse la crudeltà della seconda guerra mondiale, essendo stato tratto in salvo da una casa bombardata a Varsavia; inoltre suo padre fu ucciso dai nazisti, in quanto partigiano, mentre sua madre nascondeva una famiglia ebrea in casa.
A scuola ebbe problemi con l'autorità, all'università studiò etnologia, storia e letteratura, praticò la boxe e s'interessò alla musica jazz. Verso i vent'anni pubblicò libri di poesie e racconti.
Frequentò la scuola cinematografica di Lodz, la sua prima regia è del 1960 con Erotyk e nel 1962 collaborò con Polanski per la sceneggiatura de Il coltello nell'acqua.
Tra il 1964 e il 1984 ha realizzato sei film semi autobiografici: Rysopis, Walkover, Barriera, Mani in alto!, Moonlighting e La miglior vendetta è il successo. Barriera ha vinto il Grand Prix al Bergamo International Film Festival. Il vergine ha vinto l'Orso d'Oro al diciassettesimo Festival di Berlino.
Ha realizzato anche delle produzione ad alto budget tra il 1970 e il  1992, tra cui L'Australiano e Acque di primavera.

3 MAGGIO: AUGURI A LUCE IRIGARAY

Luce Irigaray,  filosofa, psicoanalista e linguista belga, nasce a Blaton, il 3 maggio 1930.
Studia filosofia presso l'Università di Lovanio e si laurea nel 1955. Dopo aver insegnato in un liceo di Bruxelles, si trasferisce in Francia. Nel 1961 riceve una laurea in psicologia presso l'Università di Parigi e nel 1962 il Diploma di psicopatologia. Dal 1962 al 1964 lavora per la Fondazione Nazionale della Ricerca Scientifica in Belgio. Dopodiché inizia a lavorare come assistente presso il Centro Nazionale della Ricerca Scientifica di Parigi, dove è attualmente direttrice di ricerca. Nel 1968 riceve un Dottorato in Linguistica. Nel 1969 analizza Antoniette Fouque, una leader femminista dell'epoca. Dal 1970 al 1974 insegna presso l'Università di Vincennes. In questo periodo diventa un membro dell'EFP (Ecole Freudienne de Paris, fondata da Jacques Lacan). Nel 1974 pubblica la sua tesi di dottorato Speculum, de l’autre femme dove critica con pungente ironia il pensiero di Freud e di Lacan sulla sessualità femminile. Questo libro, che provoca molte polemiche, segna la sua rottura con Lacan e la porta alla sospensione dall’incarico di insegnante presso l’università di Vincennes.
Irigaray riesce a trovare un nuovo pubblico nei circoli femministi a Parigi (viene inoltre coinvolta in manifestazioni per la contraccezione e per il diritto all'aborto). Tiene molti seminari e conferenze in tutta Europa, decine dei quali vengono raccolti e pubblicati, diventando uno dei punti di riferimento dei movimenti femministi francesi e italiani.
Nel 1982 ottiene la cattedra di filosofia all'Università Erasmus di Rotterdam. Nel 1991 viene eletta deputata al Parlamento Europeo. Nel 1993 scrive, direttamente in italiano, Amo a te. Nel dicembre 2003 l’Università di Londra le conferisce la laurea honoris causa in letteratura. Dal 2004 al 2006 è stata visiting professor nel dipartimento di Lingue e Letterature Straniere presso l'Università di Nottingham. Nel 2007 viene affiliata con l'Università di Liverpool. Nel 2008 le viene assegnata la laurea honoris causa in Letteratura dallo University College di Londra.
Luce Irigaray ha dedicato tutta la sua ricerca all'elaborazione e creazione di un pensiero della differenza sessuale. Ciò che la distingue dalle altre femministe è che la differenza sessuale è per lei la forza della nostra società, che è costituita da una molteplicità di differenze: linguistiche, religione, culturali. Tutte si basano sulla differenza sessuale, la differenza basilare da considerare cioè, per poi poter considerare tutte le altre, è la differenza tra uomo e donna. Solo rispettando questa base tutte le altre differenze, soprattutto in una cultura come quella di oggi in cui le differenze sono l’identità degli individui, potranno essere rispettate a loro volta. Per Luce Irigaray la differenza sessuale è il conoscersi, l’appropriarsi delle proprie caratteristiche e nel rispetto di esse, delle nostre e di quelle degli altri. Rispettare la propria differenza e le differenze altrui è la chiave per una convivenza pacifica e rispettosa.


Citazioni di Luce Irigaray

Per promuovere un mondo nuovo, c'è bisogno di pensiero. Non basta fermarsi a qualche slogan concernente il potere, la soggettività femminile, la politica del fra donne eccetera. Si tratta di riflettere su quale contenuto oggettivo si mette dietro gli slogan, e di verificare se questo contenuto si possa condividere e come. Se ogni donna si accontenta di rivendicare il diritto alla propria soggettività, temo che una condivisione pubblica fra le donne non potrà mai esserci. Lo stesso vale se le donne si accontentano di cercare di appropriarsi di un'oggettività culturale e politica definita da e per gli uomini. Il compito più importante che le donne oggi devono assumere è lavorare alla loro individuazione come persone civili e culturali. La politica, per non dire la democrazia, dovrebbe essere un affare di convivenza civile fra le persone prima di essere un affare di rivalità per il possesso, il potere, la poltrona.

Anche se è per natura pubblica, la prostituzione dovrebbe allora rimanere invisibile. Ma come una cosa pubblica può esercitarsi in modo nascosto? Questo è il paradosso legato alla prostituzione: esiste a condizione che non si sappia e che non si veda che esiste. Di conseguenza, è cacciata da tutti i luoghi pubblici in cui si potrebbe sapere o vedere che si esercita: le case di tolleranza, le strade, eccetera. Non c'è nulla di strano in tale contraddizione. La prostituzione partecipa della sorte riservata alla sessualità nella nostra cultura: esiste a patto che non si sappia, che non si manifesti in quanto tale.

L'attrazione sessuale è ciò che ci può facilitare il passaggio dai bisogni individuali legati alla sopravvivenza a una condivisione con l'altro. È ciò che ci può aiutare a trascendere il nostro corpo come materia attraverso il desiderio, un desiderio che fa da ponte e mediazione tra corpo e anima, e anche fra l'altro e noi stessi. Questa spiritualizzazione del corpo e dell'amore carnale è resa impossibile per mancanza di una cultura della sessualità, per la sua repressione e riduzione a un bisogno, sessuale e perfino procreativo, che non ha più nulla di propriamente umano. Troppo spesso, la nostra tradizione, specialmente la nostra tradizione morale, incoraggia questa decadenza dell'attrazione amorosa che fa nascere nella stessa anima ogni sorta di fantasmi e desideri sostitutivi. Da allora, non è più soltanto il corpo che è prostituito o si prostituisce, ma l'anima che si vende per ottenere soldi, potere o gloria.